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 從多年來破碎的經驗中搜尋了一大圈，揀出了一些教訓，的確要在基本功里解決。

 

      首先每每在我聘請助手的時候，沒有計算機障礙是我的第一個要求，這一定算是基本功。 我見過許多自認為是精通計算機的設計師，但一出手我就認定他們的技術來自口耳相傳，隨時給自己的工作埋設炸彈，這些設計師的自信無疑會將他們不懂計算機的老板送向破財之路。當然，我每天都要求我的設計助手們不依賴計算機，這并不自相矛盾。不依賴絕不是說可以不懂，畢竟在我們工作中，從設計到印刷的每一道工序都需要計算機的幫助。今天看這一問題就像畫家不會用筆的道理是一樣的。 

 

       其次，對印刷知識的匱乏阻礙了許多網站設計師的發展。因為不了解，許多設計師認為自己的設計就是計算機屏幕上的樣子，這很危險，因為技術的原因，它與實際的輸出效果還有較大的差距。不熟悉印刷的特性與缺陷，許多設計師在做設計的時候不斷地給印刷找麻煩，設置障礙，這很愚蠢。網站設計師需要了解的印刷知識有許多，比如說各種品牌印刷機的性能、同一機型不同規格的性能、不同品牌油墨的性能、四色油墨與專色油墨的特性、不同品牌、規格、品種紙張的性能、特殊工藝、后期加工及裝訂等等，這些都是設計師在做設計時需要為客戶考慮的問題。 

 

     那么，懂了計算機，懂了印刷流程，就可以稱作網站設計師了么？可能還不行，畢竟以上說的與「設計」還沒有直接的關聯。就網站設計而言，還有許多特色性的規律，對于這些我的興趣更大。 

     另外，在《什么是優秀的網頁設計》一文中，我們也對此進行了一些探討。

      A、平面不平 

  二十多年來，我自己有過很多幸運的事。比如在我吃這碗飯之初，偶然在舊書攤上買過一堆「TIME」雜志，這是永遠令我感到興奮的回憶。因為那時我正被眼花繚亂的設計弄得五迷三倒，無師可從，這堆舊雜志讓我開了眼，見識了正點。

認真閱讀TIME雜志，一切有關網站設計的技巧都囊括其中，而且毫不張揚，溫文而雅，為抄襲者提供了大量改頭換面的空間。我對網站設計的理解很多來自這堆舊雜志。

 

扁平化設計

 

     「平面不平」是我對網站設計中畫面效果的一種理解，很多人把它叫做版式、構圖、結構、形式感…都可以，我喜歡把話說得簡單。拜讀了很多好的設計后，我感到設計師們都在有意無意地追求著「不平」的效果。即利用各種平面元素，在平面材質上（比如紙張等），努力拉伸視覺空間。這一理論，畫家塞尚早我們一百年就開始嘗試了，并已作到了極致。令我很感嘆的是一百年前最不商業的令人類恐慌的藝術變革，一百年后卻變成了最最商業的平面藝術，多有意思。 

 

      這一空間概念涵概了自然空間感受與矛盾空間感受。隨設計師的愛好、版面要求、視覺沖擊需求、自由選擇。現在已經沒有很多人大驚小怪了，但無論展現自然空間感受，還是矛盾空間感受，設計師所使用的技巧（或稱元素）是有規律的。把它們歸納在一起也有一大堆。比如：打洞；夸張暗影效果；使用極具真實性與質感的圖像；實物元素與繪畫元素的對比使用；利用色彩之間的反差效果；利用線與色條的迭壓效果；利用文字與圖形、文字與文字的迭壓效果；文字之間大小比例關系的對比等等。因為篇幅所限，不作細解，今后可將范例作品與理論文字對照比較，一目了然。 

 

      B、色彩中的音樂

       色彩是平面作品中的靈魂。想運用好它一定要了解一些紙張與油墨的知識。不同紙張與不同油墨的組合，會產生出絕對不同的效果。但我們與畫家的區別是：網站設計師手中的顏料只有四管兒，但它可以依靠網點的疏密特性，調和出所有我們可感知的顏色。這真是一項神奇的發明，作為印刷技術的原創民族我們感謝德國人。 

 

利用網點與紙（白色）的配合，我們才能讓油墨顯得更均勻、鮮艷和干凈。但這只是技術上的事，設計師在設計工作中對色彩的運用還要更多的依靠靈性。

色彩

 

我常希望身邊的設計師朋友們能學習一些音樂，這并不是故弄玄虛，用音樂的理論解析色彩真是簡單直白，這是我的發現。 

 

       a. 首先懂得音樂的人都知道在樂器上找不到一個固定的音，音符「叨」隨調式改變著位置，不同的調式傳達出不同的感情，適合著不同的樂器與人聲。這與我們運用色彩的道理是一樣的，整幅畫面的基調與情緒是通過畫面色彩的冷暖傳達出的。但從小我們頭腦中的色彩冷暖關系就是固定的。紅色偏暖，藍色偏冷。其實這是一個錯誤的概念。如同音符一樣，顏色隨周圍環境的變化轉換著調性（冷暖關系）。懂得這一道理，藍色也可以被我們渲染成暖洋洋的樣子。

 

      因為屏幕的關系，網站設計師已經不習慣給顏色以文學式的命名，比如洋紅、群青、湖藍，取而代之的是更簡單，更直接的4個數字。這很好，符合商業時代或叫數碼時代的要求，是個機械式的要求。對色彩調性化理解是對網站設計師靈性的訓練。 

 

      b. 其次和弦與旋律概念在網站設計中的應用 

 

      玩樂器的朋友都懂得另一個道理，無所謂哪一個音好聽與難聽，音符一定要放到一起去，才能叫音樂，否則「叨」「叨」「叨」一直按下去一定是噪音，「叨」「咪」「嗖」放在一起就變成了和弦「C」。這好比顏色中紅藍白的搭配一樣，永遠和諧。和弦可以繼續往里添加新的音符，比如加個「來」這個和弦馬上變了情緒，變成了一個7和弦。如果把「咪」換成降「咪」就更是大相徑庭地跑到藍調里去了，就好像在紅藍白的組合中，配上紫色或桔色給人的視覺感受是截然不同的。和弦一直可以添加音符進去，成為9和弦，13和弦……在色彩上就好比我們常說的高級灰。 

 

和旋與旋律

 

      明白這個道理后，我們就會更直接地理解顏色是應該分組使用的。這些組合的基礎應該向和弦C、D、E、F…一樣，有一個最原始的搭配，設計師想不斷變化，就在這些組合里求變吧。你一定要把沒關系的顏色放在一起，就像」發「和」希』誰也不挨著誰，兩者之間沒關系，你的畫面一定平淡；如果你一定要把敵對的顏色放在一起，準會難看。運用和弦的道理去理解色彩，你會立刻跳出色彩貧乏的誤區，發現眼前可用的顏色太多也太美了。合理搭配的色彩組合把畫面的視覺空間不斷拉伸，讓畫面不僅絢麗而且厚實，這就是色彩和弦的作用。 但僅僅有了和弦就能成為音樂嗎？不對，音樂還需要旋律，沒有旋律的音樂不好聽。那么，平面作品的旋律是什么呢，它是我們眼睛觀看一幅作品的過程。一幅招貼也罷，一本宣傳冊也罷，都存在著一個先看到什么，再看到什么，最需要人們看到什么，記住什么，回味什么的問題。這些就構成了平面作品的旋律，讓觀眾的眼睛什么時候緊張，什么時候休息，最后停留在哪個地方，這是設計師最需要動腦子考慮的問題。 

 

      c.節奏

      根據我的建議，長時間以來，我的設計助手們一直在總結、記錄各種各樣的色彩組合。從名家的作品中，從各民族的圖案里，從自然景物中，然后在實際的工作中我們使用這些顏色。比如我們為「好倫哥」比薩餅店做的小折頁里所使用那一組顏色，就是從蔬菜和水果里找到的。因為我們需要一套讓人看了就餓的顏色。但問題很快就來了，許多我們在名家的好設計里總結出的顏色組合，再經過我們使用后就變了樣，沒了神兒，這是為什么呢？真讓我們苦惱了一陣子。